Culture

« Je vou­drais que tous mes spec­tacles soient des monu­ments aux oubliés, aux aban­don­nés, aux sans-traces, à tous ceux que la Grande His­toire broie, puis efface, ceux qu’elle ne racon­te­ra jamais. Ces der­niers dont je vou­drais faire, le temps d’une repré­sen­ta­tion, les pre­miers. » Cette pro­fes­sion de foi d’Emmanuel Mei­rieu donne la tona­li­té de son der­nier spec­tacle, sombre et grave.

L’insolente com­pa­gnie des Chiens de Navarre bous­cule, mord, déchire et secoue les spec­ta­teurs et les spec­ta­trices. La vio­lence se déchaîne dans cet asile de fous, méta­phore de nos socié­tés « civi­li­sées ». Rien ne va plus au royaume de France et de Navarre. Tra­gique et jouis­sif !

Isti­q­lal – « indé­pen­dance poli­tique » en arabe – situe les enjeux de la pièce. Six femmes et trois hommes s’avancent sur le pla­teau où se jouent les rap­ports de force ordi­naires du patriar­cat et du colo­nia­lisme : sou­mettre les femmes aux dési­rs et à la volon­té des hommes.Tamara Al Saa­di, dra­ma­turge fran­co-ira­kienne, « aspire à rendre visible ce qu’on ne peut pas voir ». Le che­mi­ne­ment de la jeune Leï­la vers l’indépendance tient les spec­ta­trices et les spec­ta­teurs en haleine.

Ce qu’il faut dire, c’est l’inverse du dis­cours occi­den­tal et colo­nia­liste sur l’Afrique, les subsaharien·nes, la cou­leur noire, l’Histoire. Léo­no­ra Mia­no, autrice came­rou­naise de langue fran­çaise, adopte le point de vue autre, celui des Africain·nes, et le for­mule sans fio­ri­tures, sans ména­ge­ment. Sta­nis­las Nor­dey, met­teur en scène, trans­forme la scène en une sorte de ring mais les coups sont por­tés au plexus des spec­ta­teurs et spec­ta­trices, très majo­riai­re­ment blanc·hes, par les comédien·nes noir·es, qui prennent la parole suc­ces­si­ve­ment. Trois soi­rées intenses.

Evgue­ni Schwartz écrit Le Dra­gon en 1943 pour s’attaquer à la dic­ta­ture natio­nal-socia­liste hit­lé­rienne. Depuis des siècles, un dra­gon à trois têtes ter­ro­rise toute une ville, les auto­ri­tés locales, com­plices et ser­viles, se plient à tous les caprices du monstre. La pièce est cen­su­rée par le régime sovié­tique juste après la pre­mière, en 1944 à Mos­cou, et le sera jusqu’en 1962. Tho­mas Jol­ly en pro­pose une mise en scène spec­ta­cu­laire et sai­sis­sante, réson­nant for­te­ment avec l’actualité.

Sobre­ment, le pro­gramme ali­gnait quatre noms : Childs / Car­val­ho / Las­sein­dra / Doher­ty. Quatre noms de cho­ré­graphes, la plus connue étant Lucin­da Childs. Il annon­çait aus­si une forme de mani­feste « Pour une danse décloi­son­née ». Totale sur­prise et total bon­heur ! Une brillante pro­po­si­tion ima­gi­née par le col­lec­tif (LA)HORDE à la tête du Bal­let natio­nal de Mar­seille.

Michel Ras­kine met en scène le texte écrit en 2011 par Laurent Mau­vi­gnier. Le roman­cier s’inspire libre­ment d’un drame sur­ve­nu à La Part-Dieu à Lyon, en décembre 2009 : un gar­çon de 25 ans entre dans un super­mar­ché, se dirige vers le rayon des bières, ouvre une canette et la boit ; repé­ré par les vigiles, il est entraî­né dans une arrière-salle déserte, les coups s’abattent sur lui ; peu après il ne réagit plus ; il est mort.

« Huit heures ne font pas un jour » sur­prend par sa tona­li­té joyeuse et la vita­li­té du col­lec­tif. Les ama­teurs du ciné­ma de Rai­ner Wer­ner Fass­bin­der – sombre et sou­vent tra­gique — ne s’attendaient pas à ce défer­le­ment d’énergie et d’optimisme. Julie Deli­quet en pro­pose une mise en scène tru­cu­lente, dyna­mique. Les scènes à l’usine alternent avec les scènes de la vie pri­vée. On rit, on se dis­pute, on lutte, on se récon­ci­lie. Et dans la salle, on jubile !